依據國際失智症協會估計，全球有超過五千萬名失智者，而且成長速度飛快，平均每三秒就有一人罹患失智症，即便在國內，面臨高齡化社會的臺灣，六十五歲以上的老人，每十二人即有一人患有失智症，對子女來說，長輩的失智症總是來得十分突然，因為沒有一個人能預期到自己的爸媽有朝一日會遺忘自己，所以失智症總是來得讓人措手不及。 被孝道綑綁在家裡 失智症是十分難覺察的疾病，因此也使得父母本身的病識感非常地不強烈，從忘東忘西到不信任別人，懷疑身處的環境，到最後不相信自己以及家人。子女面對失智的父母時，總會面臨自己不被接受的挫折感，而這種關係在年輕時的親子關係中就曾出現過，青春期到成年反抗，在傳統家庭常常爆發，運氣好的親子關係撕破臉，雙方老死不相往來，運氣不好的就成為《幸福老人樂園》中林台坤與小如的關係，父親無意識地佔據了女兒的人生，女兒受到傳統觀念的影響，被孝道緊緊綑綁在家裡，從關係親密的家人轉變為，互相折磨的同居者。 劇情一開始就在釋出小如在工作與長照兩頭燒的困境，意外出現的陌生人阿默，好心的分攤了小如肩上負擔，與老人家玩角色扮演遊戲，同時阿默也填補了孤兒心中的空虛。看似兩全其美的安排，卻也埋下了衝突的伏筆。 善意捏造的謊言 高潮的飯桌衝突橋段，當林台坤遺忘自己的女兒小如，而認為阿默才是自己的孩子時，作為子女的小如照顧父親多年，原本應是要先安撫自己的父親，以免造成身旁這位外人的麻煩，但是當阿默試圖順著老先生的話假扮成兒子，用欺騙化解尷尬時，反而觸動到小如壓抑的情緒。看到此時觀眾可能會困惑，先前都端莊明理的小如，突如其來炸藥般激動的反應，心中的壓抑怎麼累積起來的? 林台坤與女兒小如是一對父女關係的單親家庭，雙方都是彼此唯一的親人，兩人的關係會比一般的家人更緊密，小如從有記憶以來，到長大成人後都只有父親，甚者小如到了適婚年齡都沒有對象，但是全心全意地照顧父親的執著，可以解讀為戀父情結，父親過去為女兒斬斷桃花之後，小如可能連自己都不自覺為父親守貞，多年來父女倆人都沒有再嘗試讓新成員走進這個家庭裡，所以阿默這個外人試圖佔有他的父親 (即便是假裝的)，小如壓抑多年的情緒會一股腦地爆發出來，像是元配在趕走小三時的激烈反抗。 集結實力派演技 整場演出僅三位演員，舞臺設計十分的簡約，深色鏡面的背景，數個大型方塊組成的物件在臺上供演員站坐，沒有其他任何的舞臺布景，大部分的場景都是靠著演員憑空呈現出來的，非常...

《天竺鼠車車》軟萌可愛的模樣帶起一股風潮，導演見里朝希使用羊毛氈與鐵絲創造出形色各具的車車們，一禎一禎的拍出照片再串成定格動畫。相較於 CG 動畫，定格動畫的製作幾乎是純手工， 1 秒需要 12~24 張圖片組成，以《天竺鼠車車》為例，導演曾提到 4 位動畫師協力一天只能完成 3~4 秒，碰到某些比較複雜的畫面甚至覺得一天只能完成 1 秒，因此共 12 集、一集 2 分 40 秒的作品，是團隊花了一年半的心血結晶。 19 世紀末就出現定格影片的技術，一路到現代，多使用容易雕塑的黏土、木偶等媒材來呈現，從實體存在的戲偶、平面的照片，再到動起來的影像，手作感與腳色設計的藝術價值，是許多人喜歡定格動畫的原因。 此外，定格動畫的製作方式到直到現代都沒有太大的異動，即使是多年前的作品如今看來依舊沒有時代感，這種傳統但經典的製作方式深深吸引了一批創作者投入。提到定格動畫，許多人浮現在腦海裡的是《企鵝家族》 ( Pingu, 1990 ) 、《落跑雞》 ( Chicken Run, 2000 ) 、《笑笑羊》 ( Shaun the Sheep, 2007 )..... 等在童年裡出現的作品，以下還有幾部你可能看過，但沒有想到它也是和《天竺鼠車車》一樣以定格動畫的製作的長篇電影。 《第十四道門》 (Coraline, 2009)   「有些門，永遠不應該被打開 ...... 」 《第十四道門》改編自英國作家尼爾 · 蓋曼 (Neil Gaiman) 的童書，帶點恐怖詭譎的故事元素。故事主角卡洛琳對生活不甚滿意，總是幻想著有一個更好世界存在。某天她意外發現家裡有一道小門，穿越過去後發現是另一個平行時空、還有父母在那裡，唯一不同的是，他們的眼睛是黑色的鈕扣 ...... 這部作品是美國知名的定格動畫團隊「萊卡工作室」首部作品， 100 分鐘的片長耗時 7 年才完成，是影史票房第三名的定格動畫電影，並入圍奧斯卡最佳動畫長片 ( 該年獲獎作品為皮克斯的《天外奇蹟》 ) 。這部作品也是《天竺鼠車車》導演見里朝希的啟蒙作品，引領他踏入定格動畫的製作領域。 《第十四道門》製作花絮，每個黏土戲偶都經過細膩的捏製、上色，這些都是電腦製作無法取代且極為耗時費工的過程。 《酷狗寶貝之魔兔詛咒》 (Wallace & Gromit: The Curse of the Were-R...

圖片_Pinterest 如果成人自己都無法誠實地面對孩子，那麼他們在害怕受罰、羞愧、自卑時，又怎麼能不去編造謊言呢？ 剛開始當老師的時候，很怕他們會問到我不清楚答案的問題，怕他們因此質疑我的能力。可是又希望自己的學生能提出範圍外的問題，主動去思考他們好奇、不明白的事。後來我才漸漸發覺，誠實地與學生說：「這部分我也不太清楚，我回去研究後再告訴你。」或者「這方面不是我的專業，可能要找某某老師。」即便他們口頭上偶爾會抱怨，內心裡卻是接受的，不減損對老師的尊敬。   有一次，在我帶學生去旅行的回程火車上，一位高中年齡的學生特意把我找到一旁，說起數月前的一次請假，其實欺騙了我。請假的理由是編的，他並非真的有事，只是一時想離開課堂。人都有不足之處，我們常以謊言粉飾，但若能坦誠以對，孩子必會誠實相報。 過年時，父母習慣以一些無傷大雅的謊言將孩子的紅包「騙」過來，諸如：先幫你存起來，長大後再給你；身上錢太多容易掉，幫你保管。然而這些諾言卻不一定會兌現。其實以父母對孩子的付出，紅包上繳也是應該的，但弄不好卻讓孩子覺得自己被唬弄，明明為孩子花了那麼多錢，反倒孩子還覺得父母「欠」他們紅包錢。 為什麼要將孩子的紅包「騙」過來呢？每個家庭恐怕有不同的原因吧，但選擇用謊言蒙混過關，便喪失了一個與孩子誠實對話的機會。 而誠實地對話是需要練習的。 小時候家裡的經濟狀況並不寬裕，家裡只有我一個孩子，親戚每家卻多半有兩個。以致過年收到的紅包往往不如發出去的多。記得一次收到紅包後，母親把我叫到後面的房間裡，看親戚們分別包了多少錢，轉手又把這些錢塞到她準備好的紅包袋裡，包給親戚的孩子。 對我來說，「紅包拿來幫你繳學費」並不是謊言，而是真實情況。父母特別關心我的教育，送我到學費較貴的實驗學校就讀，有一學期卻再怎麼樣也付不出學費了，只先好轉學。後來家境寬裕了，才又轉回去。因為理解家裡真實的情況，所以對紅包的去留從不在意。我們時常忘記了，能說服人的是真實而非謊言，耐心地與孩子說明拿走紅包的原因，他們一定能接受。

子曰：「食色性也。」講述了食慾與性慾是人類的本性，比較大的誤會是這句話並非出自孔子所言，而是孟子的學生告子說的。不過孔子的確說過類似的話，正是《飲食男女》的出處，「飲食男女，人之大欲存焉。」出自於《禮記·禮運》孔子所言。李安在前兩部作品的成功後，接續著的《飲食男女》，題材有更大膽的嘗試，並有更多樣的劇情走向，卡司陣容也更加提升，《飲食男女》場景改在臺灣，從父子關係轉變為喪妻的父親與三個女兒互動。 華人父親的共同點「我老了，不中用了。」 三部曲中郎雄飾演的老父親，都詮釋出很多華人父親的共同點，《推手》的太極拳大師、《囍宴》的軍隊將領、《飲食男女》的飯店大廚，都是年輕時曾有所成就，因此有受人尊敬的社會地位，不過到了組成家庭生兒育女後，面對成長中的孩子與衰老中自己，這種難以言喻的無力感，彷彿是失去了什麼，「我老了，不中用了。」在三部曲中都出現過類似的臺詞，一句脫口而出的話，表達出老人家的無奈。 在子女的印象裡，父親只會滔滔不絕年輕時的成就，其餘都是沉默寡言的坐在客廳的沙發上，那是種即使不說話 也能感覺到 的威嚴。這種距離感，使得父親有著無法冒犯的地位，年幼的子女只能順從，尤其當一位父親全心全力追逐的成就時，對於家庭的距離會更加的疏離，但是當歲月蠶食掉一個東方傳統男性的尊嚴後，每個老男人都只是剩下父親的角色，以及還沒被家庭成員給端下神壇的權威。 《飲食男女》取下父親威嚴的緊箍 相較於前兩部電影，父親一味望子成龍的心態，直到頭髮白了仍要把持住一家之主的長輩姿態，拍完《推手》與《囍宴》之後，李安終於為父親的角色取下緊箍，看著三個女兒一個個在尋找自己的愛情，父親也有自己的兒女私情，都一大把年紀了，不必老扛著五千年文化的神主牌，放下了自尊與面子，好好向女兒們坦白的面對真實的自己。 《飲食男女》可以說是父親三部曲的總結，三部曲裡「飲食」與「男女」的元素都佔有很大的比重，每當全家人圍著桌子吃飯時，這是一個能互相聊天，關心彼此吐露心事的時刻，父母藉此關心孩子們工作、生活與感情世界，不論是在美國的廚房有主客位之分的方桌，亦或是回到臺灣的傳統大圓桌圍爐。一家大小每天聚在一起用餐吃飯，漸漸的兒女長大尋覓終生伴侶，再組成新的家庭一起回到餐桌上，「飲食」和「男女」不停的在世代之間循環，所有人都是離不開「飲食」與「男女」兩個人性所慾。 不論是太極拳、中式婚禮、中華料理，李安的父親三部曲吸取了許多東方...

藉著前陣子YouTube電影月與金馬影展合作，筆者重溫了李安的經典作品《推手》、《囍宴》、《飲食男女》，也就是「父親三部曲」，這三部作品為李安導演生涯的頭三部劇情長篇，雖然三部電影劇情並不相關，不過由於內容都在講述華人的傳統家庭關係，電影中的父親都是由影星郎雄飾演，因此被廣泛稱為「父親三部曲」或「家庭三部曲」，當年初出茅廬的李安，也藉由這三部電影處女作開始闖蕩國際影壇。 《推手》、《囍宴》演出與伴侶、父親的隔閡 《推手》與《囍宴》兩部電影的劇本是同時完成再先後拍攝，因此內容也較為雷同。故事場景都是在美國，旅居海外的傳統華人家庭中，家中兒子有著一位跨國伴侶，因此呈現了許多東西文化碰撞的火花，以及老父親與獨生子之間的父子情節，兩部作品都能看到兒子面對另一半與面對父親之間的隔閡。 《推手》從公公與媳婦的衝突為起始點，兒子在面臨盡孝與自我之間的拉扯，練太極的父親像是一個巨大舊時代象徵。在《囍宴》則承接一樣的概念，並突破更多敏感議題，不但加入婆媳關係，男主角的同志愛人，假結婚欺騙父母的橋段，還有盛大喜宴的高潮戲。比起保守的九零年代，今日不論是好萊塢或是臺灣影視圈，都有大量的同志議題作品，《囍宴》大膽地挑戰同志題材，可以說是開創此類電影的先鋒。 謙恭、禮貌的華人文化桎梏心靈 再次看完《囍宴》後，令筆者想到作家白先勇的半自傳小說《孽子》，同樣是有男同志的伴侶，《孽子》敘述了更多同志愛情的內容，除此之外兩個作品都有更多層面上刻畫了父親的立場。 同志向父母出櫃的面臨的心理壓力，事實上不亞於作為父母在接受孩子時，受到傳統禮教壓迫時的痛苦，被外界喻為同志文學經典的《孽子》，白先勇本人曾解釋「《孽子》是在講述父子關係的一本書 。 」同樣的 ， 《囍宴》 總歸根本是在探 討父子與家庭，而同志則是一個容易造成世代衝擊的引子，不過就是因為如此，當父母為了孩子而不再矜持於舊觀念，子女也能同時理解父母在過程中承受的痛苦，再難以接受的家庭衝突也能化解的。 "You’re witnessing the results of 5000 years of sexual repression." 「你見識到了五千年來性壓抑的結果。」 李安本人在《喜宴》中客串的臺詞，僅僅一句話點出了整部電影，甚者說整個父親三部曲的核心概念。傳統文化將華人打造成一個個謙恭有禮的君子，人與人之間的相處，夾雜著更...

斥資上億打造的影集《天橋上的魔術師》即將於農曆年間播出，原著《天橋上的魔術師》是吳明益老師於《複眼人》後所創作的短篇小說集，故事在敘述成長於中華商場的孩子，童年所經歷的魔幻奇遇，十個短篇、十個故事、十個過去的回憶，圍繞著現今已經拆除的中華商場。 中華商場：族群融合的大雜院 老臺北人非常熟悉的地標中華商場，於 民國50年至81年間 ，短暫的存在於臺北，如同散落於全國各地的眷村，原本搭建就打算只是暫時性出現，因此會消失為塵土也是必然，如今這個族群融合的大雜院，也成了年輕一輩不曾體驗過的歷史場域。 小說敘事的手法是少見的 第二人稱口吻 ，每篇故事都像訪談錄一般，作者去拜訪老朋友，聽他敘述童年的往事，另一面讀者閱讀時，感覺就坐在故事主角面前，訪問著一個小朋友在商場遇到的怪事，在與敘事者放鬆的閒聊過程中，時而順流，時而倒敘，突然興起又插入新的話題。把中年人聊天的情境刻畫的很寫實。 敘事的每個故事角色都會介紹家中的產業 ，舉凡 眼鏡行、五金行、鎖匙店、麵店、鞋店。 商場上， 大家對於一個人的辨識，他做的生意更勝於他的名字，在操著國語、臺語、日語以及各省口音的舌頭上，喊著「鞋店家的阿蓋」、「賣麵他們的兒子」、「眼鏡行的小蘭」每個中華商場的小孩一定有著類似的稱呼，在一戶兩坪大的空間，既是住家也是店面，住著庸碌做生意的小家庭，所有民生必需品都能來此取得， 1600 多戶的空間座落於西門，更是當時臺北人潮聚集的中心。 老家與童年記憶隨著柏油刨鋪成歷史 每一則故事看似沒有任何交集，卻也彼此相關，各種劇情上不重要的細節，像絲線般的連起整個時空的共同性。 在天橋上魔法般的戲法表演，每一篇故事的主人翁，都曾在童年時 都感到驚豔（雖然書中其中一位主角可能沒有） ，緊貼商場鐵軌與火車柵欄，閃爍光芒的霓虹燈招牌，好不熟悉的「第一家陽春麵」在不同的章節時不時的提及。所有元素都把故事與讀者拉進現在已經不存在的商場裡。 若要以《天橋上的魔術師》對應於中華商場，「天橋」就象徵著中華商場本身，而「魔術師」也同樣象徵中華商場，甚者說他是代表商場的經歷的歲月，因為魔術師的存在見證了所有在商場生活過的人，童年時都是曾在天橋看魔術的一雙眼睛，而依附著中華商場而居的流浪漢魔術師，在商場與天橋被拆除後，沒有人知道，也無從詢問他的去向。如同在商場消失後部分流離失所的住戶，他們的老家與童年記憶在怪手的底下，上面壓著的是中華路...

朱宗慶打擊樂團繼作品《木蘭》再次推出擊樂劇場《泥巴》，當年《木蘭》的創新結合京劇與擊樂，劇中一段竹竿舞，驚艷整個表演藝術圈，並受邀至莫斯科的契訶夫國際劇場藝術節演出。本次擊樂劇場《泥巴》的重演，是為了慶祝樂團今年適逢創立 35 週年。 首創結合音樂與戲劇的擊樂劇場 朱宗慶打擊樂團首創擊樂劇場，表演模式是將音樂與戲劇結合，透過更加豐富的戲劇性，突破樂團純音樂的表演，給觀眾更強烈的視覺體驗，不論是先前的古裝劇《木蘭》，還是傳記形式的《泥巴》，故事性都非常強烈，即便平時沒有在聆聽音樂會的觀眾，也會在擊樂的音樂氛圍中，被其中的故事給感動。   在《泥巴》的故事中，從主角孩童時期在鄉間的玩耍，與祖母童言童語的對話，孩子懷抱遠大夢想，一路到離家工作，直到衣錦還鄉，並在祖先落地生根的家園，一磚一瓦重建祖厝，每一首曲目述說著其中一段人生經歷，在每個演奏之前還有一段短詩朗讀，引領觀眾完整進入演出的情緒裡。 取材自陶瓷工藝家林光青真實故事 本次《泥巴》的原型人物「泥巴叔叔」林光青先生，年幼時在頭份蘆竹湳玩泥巴，而後成為陶瓷工藝家，他所創立的品牌「瓷林」享譽國際，今日當我們走進世界上任何一間星巴克，都能拿起瓷林的杯子喝美式咖啡。侯孝賢導演所監製的紀錄片《瓷林》也紀錄著他的故事。而他為家族所重建的林家老宅，現今依然矗立在蘆竹湳的鄉間。 利用陶甕、鐵桶、泥團製造樂音 整場演出所使用的樂器種類十分多樣，來自東方或西方的各種擊樂，筆者最印象深刻的是開頭敘述童年的曲目—《龍眼樹下》與《囝仔的夢》，演奏上用更接近泥土音色的馬林巴木琴，對比著尖銳鐵琴，以及大小不同的陶甕，也成為臺上樂手演奏的爵士鼓，陶製的非洲傳統樂器「 Udu 」，厚實的音色，由群體樂手配合著舞蹈的演奏，節奏強勁且快速，如同在家鄉的龍眼樹下，大家熱鬧吵雜的在聊天玩耍，陶製樂器更添加了陶瓷與泥土的意象。 整個表演大量的戲劇與舞蹈，使得演奏方式更加多樣，除了原有的樂器，包括陶甕、鐵桶、塑膠桶、土粒、沙粒、泥團，甚至舞蹈中的腳步聲都成了演奏的一部分。這樣利用日常的任何道具都能演奏的方式，與英國著名破銅爛鐵樂隊（ STOMP ）一樣，信手拈來即演奏，有著新奇、創意，而且親近大眾的表演模式。 守護故鄉世代的泥土 在表演開場前，除了臺上的樂器，舞臺邊緣放了一列整齊的紅色方塊，序曲《龍眼樹下》表演...

「近看人生是一齣悲劇，遠觀人生則成了喜劇。（Life is a tragedy when seen in close-up, but a comedy in long-shot.）」—查理 · 卓別林 戲中戲手法詮釋下戲人生 《莎姆雷特》為已故劇場大師李國修的經典作品之一，李國修老師創作了四部風屏劇團系列作品，本系列作品維持一貫的劇中劇設定，將現實的演員投射到劇情中，劇中的角色名都是演員名顛倒，因此每一代的《莎姆雷特》角色名稱都不同，但這次開箱重演，唯一的例外是由林子恆飾演的團長李修國，國修老師雖然無法再演出該角色，劇中依舊保留了李修國老師的角色名稱。   最早從民國 78 年的《半里長城》開始，李國修老師就開始使用戲中戲手法，爾後陸續推出《莎姆雷特》、《京戲啟示錄》、《女兒紅》等作品，每一齣都是在說風屏劇團的故事，本次重演的《莎姆雷特》，由亮棠文創的一幫子屏風子弟兵再度搬上舞臺。 劇中劇的結構有趣的地方就是，觀眾進劇場看戲卻鮮少知道，劇場臺前臺後的差別，不過李國修老師透過風屏劇團系列的作品告訴我們 —— 其實完全沒有差別，劇場人也是有血有肉的，在劇團工作的演員依舊是人，有勾心鬥角，有男歡女愛，有社會現實，落幕了，家中信箱還是有帳單要繳。 《莎姆雷特》真實呈現舞台演出意外 戲如人生，人生如戲，一齣戲可能完美落幕，更可能錯誤百出。三流小劇團「風屏劇團」，計畫演出莎士比亞的經典悲劇，從臺北一路經由臺中、臺南巡迴到高雄，但是演出過程中，劇團內也出現了很多悲劇，演員不合，臨時換角，臺上忘詞，設備故障，布景倒塌，演出《莎姆雷特》幾乎把劇場演出會發生的所有意外都集合起來了。劇團和所有的團隊工作一樣，同事夥伴大家各司其職，但是只要一個部門出錯，往往會影響到其他人的工作進行。風屏劇團的演出過程即是如此，對於演出悲劇這件事來說也是大大的諷刺。 李國修老師劇本很多值得細細咀嚼的地方，尤其是戲內戲外裡外呼應，演員演出亦真亦假，劇中臺詞有趣的點就是，對比起來，同一句話可以是真也可以是假，演員的肺腑之言透過角色的嘴說出來，舞臺上滑稽的出錯，正面看好笑，但是一回神，發現演員內心話，反面聽來卻想流淚。這正呼應了卓別林的名言，「近看人生是一齣悲劇，遠觀人生則成了喜劇。」 陳大天飾演的角色是風屏劇團少數沒有出狀況的人，戲中飾演自導自演的導演，戲中戲裡飾演國王，相比...

《靈魂急轉彎》是皮克斯的第 23 部動畫電影，也是近年來最得我心的一部作品。做為闔家觀賞的出品保證，皮克斯過去大多談論家庭、友情、誠實、勇氣、原諒、接納自己的重要性，這次 《靈魂急轉彎》 則挑戰更抽象的層次「活著的意義」。   主角 22 號是一個缺片的小靈魂，百年來始終找不到自己的方向，不知道要做什麼，因此遲遲不能投胎，在「投胎先修班」裡成天眼神死、偶爾惡作劇的飄蕩。 發現了嗎？這個設定很符合這個世代的氛圍，格外能引起成年觀眾的共鳴。 故事內容圍繞在協助 22 號找到生命的火花，順利投胎的過程。每位小靈魂前往地球投胎前，都會在「投胎先修班」建立人格特質、興趣、最重要的是找到活著的目的，被稱之為「火花」的東西。另一位主角喬則因為一場意外成為「作古畢業班」的成員，逃脫之後誤打誤撞成了 22 號的導師，一個放棄投胎與一個不想死的靈魂，用不同的角度重新體驗一次世界。   22號： 我不夠好，所以不值得活著 大家都說要聆聽心裡的聲音、追尋你的天賦，但如果什麼都沒聽到，該怎麼辦？ 22 號與過去的動畫主角截然不同，沒有魔法與天命，對生活毫無熱情。地球之旅後， 22 號一度成為遊魂 (Lost Soul) ，喬死命拉回她的同時，也看見了那些一直困著她的聲音：「妳不夠好」「這樣下去妳永遠找不到目的」就連喬也曾經告訴她「你是因為在我身體裡才喜歡音樂，這些都不是火花，就只是活著而已。」 這些深埋在內心的質疑，讓 22 號總是覺得自己還沒準備好投胎，陷入了必須很完美才值得活下去的執念裡。事實上在成為人類的短暫日子裡，她活得很好又很開心，美食、音樂、跑步、吹過樹梢的風、擦肩而過的笑語 …… 曾經握在她手心的種子最終融化了纏身的暗影，活著不需要偉大的原因，感受生命就足以是目的。 喬：夢想實現了，然後呢？ 我們都希望活的不平凡，但平凡，才是人生的常態。 喬與 22 號截然不同，從父親帶著他踏進爵士樂俱樂部的那一刻，他就知道音樂是與生俱來的使命。在通過試鏡、完成夢寐以求的表演、掌聲結束之後，他突然有點手足無措，桃樂絲和他說了一個海洋的故事，他不禁開始懷疑自己一直以來追求的究竟是甚麼？美夢成真卻如此空虛。 從貓咪的眼睛看著自己，他才發現過去對 爵士樂的過度執著，只專注在自己身上而忽略了其他人的聲音，不管是理髮店老闆的過去還是學生康妮對音樂的熱忱，以前的他從未把這些放在心上，因此...